Man sagt ihm nach, dass er ein Poet, Träumer, Exot und Fantast war, kurzgefasst, er war zu Lebzeiten ein künstlerischer Eigenbrötler und ein Außenseiter. Seine poetischen Bilder gehören zu den populärsten und beliebtesten Kunstwerken des 20. Jahrhunderts, wie den Ersten Weltkrieg und die russische Revolution. Fantasievolle Farbenpracht und seine unerschöpfliche rätselhafte Poesie, sein Reichtum an Visionen haben seinen Bildern den Ausdruck verliehen. Chagall hat alle Höhen und Tiefen des 20. Jahrhunderts erlebt. Er war ein Jahrhundertmaler von tiefer Weisheit und feinem Humor. Für Chagall war Gott in allen Menschen und Dingen und er vermischte in seinen Bildern die Geschichte der Bibel mit der Welt im Alltag. Die Fantasie und den poetischen Reichtum besaß er auch als Dichter.

Er malte Bilder mit dörflichen Szenen, Hähnen, Pferden, Kühen und durch die Luft schwebende Liebespaare. Seine Werke haben dabei auch alle eine tiefgründige Bedeutung. So symbolisiert der Eiffelturm beispielsweise den Himmel, bzw. die Freiheit, der zumeist nackt dargestellte Busen, steht sowohl für Erotik, aber auch für Fruchtbarkeit und Leben. Auch die dargestellten Tiere bringt er in Verbindung mit einer höheren Bedeutung.

Er gehört zu den Hauptvertretern des gegenständlichen Expressionismus. Sein Malstil setzt sich zusammen aus Fauvismus, russischer Volkskunst und jüdischer Mystik. Die jüdische Herkunft wird immer wieder in seinen Bildern sichtbar.

Chagall gestaltete auch Gebäude und entwarf beeindruckende Glaskunstwerke. Für seine Werke erhielt er mehrere Auszeichnungen, wie der Carnegie-Preis für Malerei, den Ehrendoktor der University of Glasgow, der Erasmus-Preis und den Titel als Ehrenbürger der französischen Stadt Vence, sowie zwei weitere Auszeichnungen, durfte er miterleben.

Daneben finden sich auch Anlehnungen aus der älteren Kunstgeschichte, wie zum Beispiel bei Raffael und Vermeer. Wesentliche Elemente seiner Kunst sind die Provokation und der Schock, die auch sei persönliches Verhalten prägten und schließlich zu seinem Ausschluss aus der surrealistischen Bewegung führten. Noch vor dem Zweiten Weltkrieg versuchte Dali in den USA Fuß zu fassen und richtete seine Kunst immer stärker auf den kommerziellen Erfolg aus. Seine Neigung zur Selbstinszenierung verwendet er nun häufig zur Imagepflege und vor allem zur Kommerzialisierung und Popularisierung seiner Kunst. Seit den 60iger Jahren wurde ihm mehrere repräsentative Ausstellung zuteil, für die er eigens Bilder anfertigte. Die kleinformatigen Gemälde der früheren Jahre wichen seit 1958 pompösen Werken mit geschichtlichen Themen wie Die Schlacht von Tetuán aus dem Jahr 1962, das ein Format von 308 × 406 cm aufweist. Das Bild beschreibt die spanische Eroberung Tétouans in Marokko im Jahr 1860. Dalí malte ein Monumentalgemälde pro Jahr, das bekannteste ist Die Entdeckung Amerikas durch Christoph Columbus von 1959. Meisterwerke der letzten Periode sind Der Thunfischfang (1966/67) und Halluzinogener Torero, gemalt zwischen 1968 und 1970.

Im Jahre 1972 wurde ein Dali-Museum in Figueras eröffnet. Dalís Werke sind im ganzen Gebäude verteilt; der Besucher findet Gemälde, stereoskopische Fotografien, ein biegsames Metallkruzifix, das Regentaxi, einen Mae West-Saal als Environment, in dem Dalí sein Mae-West-Gemälde aus den Jahren 1934 bis 1935 dreidimensional nachgebildet hat, sowie Werke anderer Künstler wie Breker, Fuchs, Wolf Vostell und Marcel Duchamp. Ein Raum ist Dalís Freund, dem katalanischen Maler Antoni Pichot, dem Neffen von Ramon Pichot, gewidmet. Antoni Pichot wurde nach Dalís Tod Direktor des Museums. Die in klassischer Manier gefertigten Decken- und Wandgemälde ergänzen das Interieur. Kunst, Kitsch und Karikatur sind im ganzen Museum in verwirrend pompöser Eintracht verbunden.

Sein vermutlich erstes surrealistisches Gemälde, Blut ist Süsser Als Honig, datiert aus dem Jahr 1928. Durch die Vermittlung von Joan Miro wurde er schließlich Mitglied der surrealistischen Gruppe. Etwa gleichzeitig drehte er mit Luis Bunuel die beiden surrealistischen Filme in „Ein Andalusischer Hund“ (1929) und „Das Goldene Zeitalter“ (1931), deren Erstaufführung in Paris einen Skandal auslöste. Die nun breit einsetzende Produktion surrealistischer Bilder zeichnet sich durch die Verbindung von extrem naturalistischer Malweise mit bizarr-irrationaler Thematik aus. Anknüpfend an die surrealistische Methode der „ecriture automatique“, die dem absichtsvollen Schaffen des Künstlers das freie Assoziationsspiel des Unterbewussten entgegensetzt, entwickelt Dali seine eigene „paranoische-kritische Methode“, die er selbst definiert als eine „spontane Methode irrationaler Erkenntnis, die auf kritisch interpretatorischer Assoziation von Wahnvorstellungen beruht“. Maßgebend für diese Auslotung des Unterbewußten war der Einfluss der Psychoanalyse Sigmund Freuds, den Dali 1938 persönlich kennenlernte.

Caspar David Friedrich verkörperte den typischen Romantiker. Er galt als eher introvertiert, weltscheu, naturverbunden und religiös. Seine Bilder lassen sich oft als melancholisch interpretieren. Er stand in seiner Auffassung zur Natur im krassen Gegensatz zum Realismus. Für ihn galt die Natur als Spiegel menschlicher Empfindungen.
Caspar David Friedrich folgte nicht dem italienischen Kunsttrend und war auch kein Anhänger der antiken Meister. Nach seinem Verständnis sollte Kunst zwischen den beiden Werken Gottes, Mensch und Natur, vermitteln. Das spiegelt sich in seiner Annäherung an den Naturschönheiten, in deren Darstellungen er Stimmungen und Empfindungen verarbeitete. Seine Werke spieglen demzufolge keine reinen Abbilder der Natur wider, sondern sie vergegenständlichen das Unfassbare, das metaphysische Empfindungen. Die realistisch-emotionale Darstellungsweise der Landschaften wird unter anderem durch eine unendlich scheinende Weite verstärkt.

Seine Lieblingsfarben und Symbolik

Die Farbe Violett (und allgemein ein Kontrast zwischen Dunkel im unteren Teil und heller Darstellung im oberen Teil eines Bildes) dominiert in einigen Bildern. Sie ist und war, nicht nur für Friedrich, die Farbe der Trauer und Melancholie. Durch sie wirkt das gesamte Bild schwermütig. Die häufig depressive Seelenverfassung Friedrichs ist anhand solcher Bilder zu ahnen.

Das Naturerlebnis in der deutschen (Um-)Welt war für Friedrich ein sehr persönliches mystisch-religiöses Ereignis. Er sah Gott in der Natur wirken, eine panentheistische Religionsauffassung, die Friedrich zwar in Widerspruch zur Orthodoxie des zeitgenössischen Protestantismus setzte, der die Natur eher als „heidnische Mutter“ sah, ihn aber mit der Theologie und Religionsphilosophie des deutschen Idealismus übereinstimmen ließ. In seinen Bildern versenken seine Figuren sich mit dem Betrachten des Naturschauspiels in das Göttliche. Sie verbinden dadurch die dunkle, irdische Gegenwart, in der sie sich befinden, mit dem hellen, überirdischen Jenseits. Die Ferne wird als Symbol für eine helle, erwünschte Zukunft interpretiert.

Der Lebensweg eines Menschen wird zum Beispiel in „Mondaufgang am Meer“ durch Schiffe dargestellt, die sich zwar noch auf dem Meer befinden, aber irgendwann den Hafen anlaufen werden, was mit dem Ziel oder Tod gleichzusetzen ist.

Das Fundament, auf dem sich die Personen befinden, ist häufig ein gewaltiger Stein oder Fels. Für Friedrich stellt der Glaube, genauso unerschütterlich wie ein Findling, das geistige Fundament eines Menschen dar. Die Menschen stehen meist gefestigt, beeindruckt und in guter Kleidung.

Schnee wurde von Friedrich, anders als im Rokoko des 16. und 17. Jahrhundert, nicht als saisonaler Zuckerguss, sondern als dicht am schweigsamen Tode gesehen, eine für Friedrich typische Mystifizierung (ähnlich der von Kiefernwäldern und anderen Motiven).
Die immergrüne Fichte wurde von Friedrich, wie von seinen Zeitgenossen, als Ewigkeitsverweis verstanden.
Auf den Mythos der deutschen Eiche hat Friedrich in seinen Bildern ebenfalls Bezug genommen.

Im Gemäldeshop findet man sogar ausgewählte Stücke, wie Cenacono von Leonardo da Vinci. Natürlich ist dieses Werk nicht als Original, sondern lediglich als Kunstdruck zu verkaufen. Das Gemälde ist besser bekannt, als „Das Abendmal“. Das Gemälde zeigt die zwölf Apostel, Simon Petrus, Andreas, Johannes, Philippus, Jakobus, Bartholomäus, Mattäus, Thomas, Simon, Thaddäus, Zelotes und Judas Ischarios mit Jesus beim Abendmal. Da Vinci verwendet mit Absicht keine heiligen Scheine. Auf dem Gemälde wird dem Betrachter in Form einer bildhaften Isolierung des Verräters Judas näher gebracht. Judas lässt er dabei außen vor und stellt vordergründig die Mimik der einzelnen Jünger dar.

Das Gemälde zählt zu den berühmtesten Gemälden. Es ist so bekannt und beliebt, das viele Künstler an neue Werke an das Werk von Da Vinci anlehnten. Das Original musste in den letzten Jahren und im Laufe der Zeit sehr oft restauriert werden. Das Bild wies bereits zu da Vincis Lebzeiten einige Risse auf, die Farben fing an zu blättern. Der Grund dafür, da Vinci experimentierte bei diesem Werk mit organischen Farben. Über die Jahrhunderte wurde das Gemälde durch Vernachlässigung, Vandalismus, schlechte Umwelteinflüsse und mangelte bzw. ungeschickte Reparaturen schwer beschädigt. Im Jahre 1980 wurde das Werk da Vincis als Weltkulturerbe erklärt und wird heute durch Sicherheits-und Staubschleusen vor einem weiteren Verfall bewahrt.

Dies ist nur eines von unzähligen und prachtvollen Kunstwerken, die man zur heutigen Zeit als Kunstdrucke teilweise recht preiswert kaufen kann. Unser Gemäldeshop lässt die alten und berühmten Werke wieder aufatmen und bleiben uns stets in Erinnerung. Die Originale besitzen im Gegensatz zu den Kunstdrucken einen unschätzbaren Wert.

Pop-Art – die Bezeichnung wird dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway zugeschrieben wird häufig als „Antikunst“ und als Reaktion auf die betont intellektuelle abstrakte Kunst charakterisiert, die sich dem Trivialen zuwendet. Der Popkünstler fordert die absolute Realität, das heißt, dass alle Elemente rein, klar definierbare Gegenstands-Elemente sein müssen. Die Formen werden bei einigen Künstlern wie in Comic-Heften mit schwarzen Linien umrandet (Outlines). Oft sind die dargestellten Gegenstände wie in einem Plakat ohne Tiefe, also flächig dargestellt. Die Farben sind immer klar, es werden meistens nur die unbunten und Primärfarben angewendet.

Banale Gegenstände des Alltags werden isoliert und entweder allein oder in Collagen der wie bei Wolf Vostell in Dé-coll/agen oder bei KP Brehmer in seinen Trivialgrafiken verfremdet und verarbeitet. Pop-Art ist eine Verknüpfung von Realität und Kunst, die mit eigenen abstrakten Mitteln hantiert. Innerhalb der Pop-Art kann man zwei verschiedene Grundhaltungen ausmachen. Zum einen eine anfängliche Begeisterung für den nach dem Zweiten Weltkrieg wiedererlangten Wohlstand und die damit verbundene Konsumgesellschaft, zum anderen eine spätere kritisierende Haltung. Diese ist auf Geschehnisse wie den Vietnamkrieg, die Ermordung John F. Kennedys, Rassenunruhen und den steigenden Drogenkonsum in den USA in den 60er Jahren zurückzuführen, da sie die Verwundbarkeit dieser scheinbar perfekten kalkulierten Wohlstandsgesellschaft aufzeigten.
Von vielen Kunsthistorikern und Kritikern wird Richard Hamilton als Begründer der Pop Art bezeichnet. Sein Werk „Just what is it that makes today’s home so different, so appealing?” von 1956 (Collage, heute: Kunsthalle Tübingen) gilt als erstes Werk der Pop-Art, das alle typischen Ingredienzien enthielt. Die Arbeit wurde als Motiv für das Plakat zur Ausstellung „This is Tomorrow“ genutzt, die 1956 in der White Chapell Gallery in London stattfand. Diese Ausstellung war das letzte gemeinsame Ereignis der Independent Group, ein von befreundeten Künstlern gebildeter Kreis, der das Phänomen der Massenmedien und ihre Beziehung zur zeitgenössischen Kunst diskutierten. Gleichzeitig wollte der Kreis einer interessierten Öffentlichkeit neue Themen in ungewöhnlicher Präsentationsform nahe bringen. Eduardo Paolozzi, Peter Blake, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj waren die weiteren wichtigsten Künstler der englischen Pop-Art.

Menzel wurde im damaligen preußischen Breslau geboren. Sein Vater Carl Erdmann Menzel betriebe eine Steindruckerei und erkannte früh die künstlerische Begabung seines Sohnes. So zog die Familie Menzel 1830 in die aufstrebende Hauptstadt Berlin. So wollte zum einen die Familie ihrem Sohn eine akademische Ausbildung ermöglichen und zum anderen erhoffte sich sein Vater ein besseres Geschäft in der Hauptstadt. Leider starb sein Vater nur zwei Jahre später und so musste der erst 16 jährige Menzel für den Lebensunterhalt der Familie sorgen.

Somit führte er das väterliche Geschäft fort und zeichnete sich durch seine typischen Charaktereigenschaften aus. Pflichtbewusstsein, Fleiß und Selbstdisziplin führten ihn dann 1833, neben dem Beruf, an die Berliner Akademie der Künste. Nach sechs Monaten gab er enttäuscht diesen Versuch auf und bildete sich fortan autodidaktisch weiter.

Den ersten Auftrag zu einer Illustration einer mehrbändigen Geschichte Friedrich des Großen von Franz Theodor Kugler erhielt Menzel 1839. Diese Arbeit brachte die entscheidende Wende in Menzels Leben. Sie machte ihn einer breiten Öffentlichkeit bekannt und verschaffte ihm wichtige Kontakte sowie weitere Aufträge. In den darauf folgenden Jahren illustrierte er zwei Werke aus dem Friedrich-Themenkreis. Durch seine Popularität wurden seine Gemälde, zunächst historische Themen behandelnd, später dann der Gegenwart gewidmet, immer begehrter.

Der wachsende Ruhm brachte einen gesellschaftlichen Aufstieg mit sich und zahlreiche Ehrungen. So wurde Menzel zum Beispiel 1853 zum Mitglied der Königlichen Akademie der Künste gewählt. 1856 wurde er zum Professor ernannt, der aber nie unterrichtete. Sein Aufstieg gipfelte mit dem 1898 erhaltenen Schwarzen Adlerorden, mit dem der erbliche Adel verbunden war.

Am 9. Februar 1905 starb Adolph Menzel. Kaiser Wilhelm II., der in Menzel einen Verherrlicher des Preußentums sah und ihn deshalb sehr verehrte, ordnete ein Staatsbegräbnis an und folgte mit seiner Familie dem Sarg. Seine letzte Ruhestätte fand Adolph Menzel auf dem Dreifaltigkeits-Friedhof II, im Feld OM, G1. Die Ehrengrabstätte schmückt eine Bronzebüste nach dem 1875 entstandenen Modell von Reinhold Begas. Wenig später fand in der Nationalgalerie eine Gedenkausstellung statt. Die Galerie erwarb den Nachlass Menzels.

Gustave Courbet

Gustave Courbet wurde am 10. Juni 1819 in Ornans geboren, gestorben ist er am 31.Dezember 1877 in La Tour de Peiz, in der Schweiz. Courbet wuchs in einer gutbürgerlichen Familie im ostfranzösischen Jura auf. Auf Wunsch seiner Eltern studierte er a 1837 Rechtswissenschaften auf dem College Royal in Besançon. Sein Hang zum Zeichnen setzte sich früh durch und bereits nach einem Jahr des Studiums, nahm er Zeichenstunden bei Charles Antoine Flajoulot.

1840 verließ er Besançon Richtung Paris, um offiziell in Paris Rechtskurse zu nehmen. Doch in Wahrheit nahm er weiter Zeichenunterricht und entwickelte seine Technik. Indem er im Louvre und andere Museen die dortigen Kunstwerke vornehmlich spanischer und holländischer Meister kopierte, verfeinerte er seine Technik und er bemühte sich um Aufnahme seiner Werke im Pariser Salon. Dort wurden nur drei seiner 20 eingereichten Bilder in den Jahren 1841 bis 1847 angenommen. Eins war 1844 sein Selbstbildnis mit schwarzem Hund.

Natürlich konnte er wie viele seiner Kollegen zu Lebzeiten nicht von seinen Werken leben. So war er auf die finanzielle Unterstützung seiner Familie angewiesen. Virginie Binet, seine Geliebte, schenkte ihm 1847 einen Sohn, allerdings verließ sie ihn 1850 und nahm den Jungen mit. Zu seinen bekanntesten Arbeiten zählen „Ein Begräbnis in Ornans“, „Selbstbildnis mit schwarzem Hund“, „Das Atelier des Künstlers“ und „L `Origine du monde“.